Highway Gothic, 2019
Instalación fílmica con película de 16mm, cianotipos impresos sobre película de 70 mm, paneles de textil y cajas de luz
Highway Gothic explora el impacto ecológico, cultural y social de la Interestatal 10 de Estados Unidos, una enorme autopista que atraviesa Nueva Orleans y el mayor humedal del pais. El título proviene de la tipografía estandar que se usa en las señales de tráfico y de carretera en Norteamérica. Sick Child, una canción de la banda de rock experimental finlandesa Circule, converge con el paso entre las imágenes en blanco y negro y la película en cianotipo que anuncia el viaje del protagonista a la ciudad.
Highway Gothic captura de manera conmovedora el desplazamiento de las comunidades urbanas negra y latina, así como a las victimas medioambientales asociadas con ese proyecto federal, a la vez que revela la manera en que esos espacios devastados pueden ser recuperados por diferentes seres, humanos o no.
La instalación sugiere la existencia de ejemplos prometedores en la reapropiación de esos espacios explotados; no obstante, la victimización de las comunidades más vulnerables ha dejado sus cicatrices y, a lo largo y ancho de Estados Unidos, igual que en otros lugares, la intervención infraestructural ha conducido a procesos similares de desplazamiento
comunitario.
Música: “Sick Child” de Circle, 2017, album Terminal (Southern Lord Records). “Jethro” de Thundercat (Stephan Lee Bruner), album Drunk, 2017 (Brainfeeder Records).
Cortesía de los artistas / 16mm film installation with 70 mm film cyanotype banners, lightboxes, and cyanotype textile banners.
Highway Gothic is an installation consisting of film projections and banners, which explore the ecological, cultural, and social impact of US Interstate 10: a vast highway that crosses New Orleans and traverses the largest area of wetlands in the United States. The title is taken from the standardized typeface used for American traffic and road signs. “Sick Child,” a song by the Finnish experimental rock band Circle, coincides with the black-and-white footage switching to cyanotype film, heralding the protagonist’s voyage to the city.
The installation poignantly captures the displacement of black and brown urban communities and the environmental casualties associated with this federal project, while revealing how devastated spaces can be reclaimed by human and non-human lives. Highway Gothic suggests that there are promising examples of these exploited spaces being reclaimed; however, the targeting of the most vulnerable communities has left its scars, and similar processes of community displacement have been incurred by infrastructural interventions throughout the United States and beyond.
Music: “Sick Child” by Circle, 2017, from the album Terminal (Southern Lord Records). “Jethro” by Thundercat (Stephan Lee Bruner), from the album Drunk, 2017 (Brainfeeder Records).
Courtesy the artists
Better Dimension, 2010
Paneles de madera serigrafiados, proyectores de diapositivas Hasselblad, proyector de 16mm, resina, acero y pantalla de proyección
Better Dimension es un entorno cinematográfico compuesto de una vivida proyección de diapositivas pintadas a mano que muestran formas orgánicas abstractas. En su centro, una escultura de la cabeza de John F. Kennedy rota por encima de un LP mientras el caustico
himno Nuclear War (1982), del visionario músico de jazz Sun Ra, suena en bucle.
Kennedy dispuso un programa militar, paralelo al de la misión Apolo, con el objetivo de lanzar ojivas nucleares hacia el espacio: a la promesa de la exploración espacial por parte de la raza humana se sumó la amenaza de su aniquilación. Para Sun Ra, mientras tanto, el espacio contenía un residuo mítico y visionario de la identidad negra, que refractaba su propia experiencia del racismo y las desigualdades de Estados Unidos: el escapismo como afrenta radical hacia las estructuras hegemónicas que intentaba eclipsar.
Las paredes de Better Dimension están serigrafiadas con textos y gráficos basados en los polémicos periódicos y panfletos de Sun Ra ―un musico, filósofo y activista comunitario cuyos interrogantes etimológicos fueron fuente de inspiración para el activista de los derechos humanos afroamericano Malcom X―, junto con las piernas embutidas en medias de Shingai Shoniwa (la vocalista y bajista de la banda de Afro-punk Noisettes) y los dibujos de los canales de Marte que realizo el astrónomo Percival Lowell, y que inspiraron a H.G. Wells.
Música: “Nuclear War” de Sun Ra Arkestra, grabado en 1982, del album de 1984 Nuclear War (Music-Box).
Cortesía de los artistas /
Silkscreened wood panels, Hasselblad slide projectors, 16mm projector, resin and steel projection screen
Better Dimension is a film environment composed by vivid hand painted slide projections of organic abstract forms. At the center, a bust of John F. Kennedy’s head rotates above an LP, while a continuous loop plays visionary jazz musician Sun Ra’s scathing anthem, “Nuclear
War” (1982).
Kennedy had a military program parallel to the Apollo mission, designed to deliver nuclear warheads through space: the promise of mankind’s space exploration was thus coupled with the threat of annihilation. For Sun Ra meanwhile, Space involved a visionary, mythical reimagining of Black identity, refracting his experience of inequality and racism in the US – escapism as a radical affront to the hegemonic structures that he sought to eclipse.
The walls of Better Dimension are silkscreened with texts and graphics based on the polemical broadsheets and pamphlets of Sun Ra: a musician, philosopher, and community activist, whose etymological interrogations were an inspiration to African-American human rights activists Malcolm X, alongside the stockinged legs of Shingai Shoniwa (the vocalist and bassist of the Afro-punk band the Noisettes) and astronomer Percival Lowell’s drawings of the Mars channels which inspired H. G. Wells.
Music: “Nuclear War” by Sun Ra Arkestra, recorded in 1982, from the 1984 album Nuclear War (Music-Box).
Courtesy of the artists
Osedax, 2010
Proyección cinematográfica de 16mm, proyección de diapositivas pintadas a mano, paneles grabados e impresos
Osedax es una instalación fílmica cuyo punto central está compuesto por una película en 16mm y por la proyección de una serie de diapositivas pintadas a mano. En el exterior de la caja donde se exhibe aparecen diversas señales gráficas: rasguños diagonales que nos hacen recordar la cartografia de los mapas de navegación de caña polinesios, el ataúd grabado de Queequeg en Moby-Dick y, a la inversa, las cicatrices que manchan la piel de aquella gran ballena.
La película utiliza unas imagenes que los artistas generaron a lo largo de varios años y que combinan animaciones tanto analógicas como en 3D para crear un trayecto inmersivo. Se abre con el plano de un naufragio frente a la costa de Block Island, una zona intermedia entre los reinos donde los cormoranes se convierten en criaturas marinas eléctricas y descienden por el desfiladero marino para encontrar los restos de una ballena, consumidos por unos gusanos devoradores de huesos conocidos como Osedax.
La imagen de una plataforma petrolífera frente a la costa de Camerún aparece como una quimera; resplandeciente, con esas luces que perforan la oscuridad, se mece con gesto amenazador, ocupada en la labor de extraer el petroleo que hay por debajo del lecho marino ―una referencia a la explotación industrial de los cuerpos, humanos o no.
Música: “Message From a Black Man” de The Whatnauts & The Whatnaut Band, 1970, del album Message from a Black Man / Dance To The Music (A & I Records). “Float On” de The Floaters, 1977, del album Float On (MCA).
Cortesía de los artistas y Hauser & Wirth /
16mm film, hand painted slide projection, engraved panels and printed matter
Osedax is a film installation presented in a box which exterior is marked graphically with scratched angular stripes recalling Polynesian reed mapping and Queequeg’s engraved coffin in Moby-Dick, and conversely the scars that mark the skin of the great whale.
The film itself draws on footage the artists have generated over many years, combining both analogue and 3D animation, to create an immersive journey.
It opens with a shot of a shipwreck off the coast of Block Island, which occupies an intermediary zone between realms where cormorants become electric sea creatures and descend into the sea canyon to encounter a whale carcass consumed by bone-eating worms, known as Osedax.
An image of an oilrig off the coast of Cameroon appears as a chimera: aglow with piercing lights, hovering menacingly and busy with the work of extracting oil from beneath the seabed – a reference to the industrial exploitation of both human and nonhuman bodies.
Music: “Message From a Black Man” by The Whatnauts & The Whatnaut Band, 1970, from the album Message from a Black Man / Dance To The Music (A & I Records). “Float On” by The Floaters, 1977, from the album Float On (MCA).
Courtesy the artists and Hauser & Wirth
DeLuxe, 2005
ICuadricula de 60 fotograbados, aguafuertes, aguatintas y grabados a punta seca con litografía, serigrafia, grabados en relieve, grabados con máquina de tatuar; algunos con adiciones de plastilina, acuarela, pomada y ojos de juguete.
De Luxe es un álbum seminal de Gallagher que consta de sesenta imagenes presentadas en forma de cuadricula. Cada una de ellas comienza con una página de revista procedente del archivo de la artista y dirigida al público afroamericano, como Sepia, Our World y Ebony. Sus fechas van desde los años treinta hasta los setenta, y abarcan la Segunda Guerra Mundial, la era McCarthy, el movimiento por los derechos civiles, la guerra de Vietnam y el movimiento del Black Power.
A través de la combinación de materiales históricos y personajes ficticios, Deluxe se convierte en una red ambiciosa que cartografía la esperanza y la promesa de la integración. Una promesa cruel, que acaba siendo como la palabrería hueca de un mercachifle al vender la ≪buena vida≫ y el avance personal a través de productos de belleza, y que aborda, por ejemplo, el rol complejo que el cabello juega en las culturas africana y afroamericana.
≪A medida que escarbaba en ese contenido periodístico, descubrió que “al dar vuelta a las imagenes y alterarlas es posible alcanzar una representación que logre tener una presencia física mayor que el momento que captura la imagen fotográfica” ≫.
Robin D.G. Kelley, “Confounding Myths,” Axe, 2013, TATE
Varias colecciones /
Grid of 60 photogravure, etching, aquatint and drypoints with lithography, screenprint, embossing, tattoo-machine engraving; some with additions of plasticine, watercolor, pomade and toy eyeballs
DeLuxe is Gallagher’s seminal portfolio consisting of sixty prints in grid formation. Each print begins with a magazine page from the artist’s archive of magazines dating from the 1930s geared toward African-American audiences, such as Sepia, Our World, and Ebony, and continues into the 1970s; spanning WWII, the McCarthy era, the Civil Rights movement, the Vietnam War, and the Black Power movement.
Combining historical material and fictional characters, it becomes an aspirational webbing that maps the hope and promise of integration. A cruel promise that turns out to be a hollowed-out hucksterism, selling the “good life” and personal improvement through beauty products, and addressing, for example, the complex role hair plays in African and African-American culture.
“As she dug deeper into the journalistic content, she discovered that ‘by turning found photographic images inwards and with alterations, it is possible to come up with a rendering that might even be more physically present than a captured moment in a photographic image
Robin D.G. Kelley, “Confounding Myths,” AxME, 2013, TATE
Various collections
Este espécimen, que no podemos identificar a partir de su cráneo relicario, fue rastreado y
extraído del mar Cantábrico en 1982. Apareció en una red de pesca como un extraterrestre
submarino, un incidente de Roswell, con huesos de alien mineralizado, preservado
y reservado; cristalizado como una fruta extraña para deleite de un dios marino.
Con el paso del tiempo, la mayor parte de su cráneo, denso y enroscado ―mas geográfico
que animal―, ha quedado bañado no en el aceite alimenticio que le infundio la vida, sino en un valor geológico que le otorga un poder inquietante. Curiosamente, su carácter fosilizado parece adecuado para reanimar el cráneo como si fuera una pila, o incluso para prender la chispa que lo convierta en una llama robusta como una piedra preciosa.
Es como si, al haberle crecido cristales, también pudieran crecerle huesos nuevos que lo conviertan una vez más en el animal completo que fue en su momento.
Philip Hoare, Southampton, marzo 2022 /
This specimen, which we are unable to identify from its cranium, was trawled up from the Cantabrian Sea in 1982. It appeared in the fishermen’s net like an underwater alien, a Roswell incident, its extraterrestrial bones mineralised, preserved, and reserved; crystallised like a rare fruit for the delectation of a sea god.
Over time the heft of its dense, convoluted skull—more geographical than animal—has become saturated, not with the nurturing oil that suffused it in life, but by a geological
preciousness that charges it with an eerie power. Strangely, its fossilisation seems fit to reanimate the skull like a battery or even spark into a hard, gem-like flame. As if, in growing crystals, it might grow new bones too, and turn back into the complete animal it once was.
Philip Hoare, Southampton, March 2022
Watery Ecstatic, 2001
Acuarela, tinta, óleo, lápiz y papel recortado sobre papel /
Watercolour, ink, oil, pencil and cut paper on paper
Cortesía de la artista /
Courtesy the artist
Watery Ecstatic, 2003
Acuarela, lápiz, barniz y papel recortado sobre papel
/
Watercolour, pencil, varnish and cut paper on paper
Colección privada /
Private collection
Watery Ecstatic, 2003
Acuarela, lápiz, barniz y papel recortado sobre papel /
Watercolour, pencil, varnish and cut paper on paper
Cortesía de la artista /
Courtesy the artist
Watery Ecstatic, 22 078 N 159 322 W, 2005
Papel recortado /
Cut paper
Colección privada /
Private collection
Watery Ecstatic, 2007
Tinta, acuarela, mica triturada y papel recortado sobre papel /
Ink, watercolour, crushed mica and cut paper on paper
Stéphane Samuel y Robert M. Rubin
Stéphane Samuel and Robert M. Rubin
Watery Ecstatic, 2018
Acuarela, óleo, lápiz, barniz y papel recortado sobre papel /
Watercolour, oil, pencil, varnish and cut paper on paper
Cortesía de la artista y Gagosian /
Courtesy the artist and Gagosian
Dew Breaker, 2015
Pigmento, tinta, óleo, grafito y papel sobre lienzo /
Pigment, ink, oil, graphite and paper on canvas
Cortesía de la artist /
Courtesy the artist
Morphia, 2008
Tinta, lápiz, acuarela, soporte polimérico y páginas recortadas de revistas sobre papel recortado /
Ink, pencil, watercolour, polymer medium and cut magazine pages on cut paper
Colección privada, Bélgica /
Private collection, Belgium.
Morphia, 2008
Tinta, lápiz, acuarela, barniz y papel recortado sobre papel /
Ink, pencil, watercolour, varnish and cut paper on paper
Colección Tymure /
Tymure Collection
Morphia, 2009
Tinta, lápiz, óleo, barniz y papel recortado sobre papel /
Ink, pencil, oil, varnish and cut paper on paper
Colección Tymure /
Tymure Collection
Morphia, 2012
Tinta, lápiz y acuarela sobre papel /
Ink, pencil and watercolour on paper
Colección Gabriel Calparsoro /
Collection of Gabriel Calparsoro
Dance You Monster, 2000
Caucho, papel y esmalte sobre lino, 2 paneles /
Rubber, paper and enamel on linen, 2 panels
Colección Maramotti, Italia /
Maramotti Collection, Italy
Psychoalphadiscobetabioaquadoloop, 2002
Caucho, papel y esmalte sobre lino /
Rubber, paper and enamel on linen
Cortesía de la artista /
Courtesy the artist
Kapsalon Phantasie, 2015
Esmalte, caucho, tinta y papel sobre tela /
Enamel, rubber, ink and paper on canvas
Cortesía de la artista y Hauser & Wirth /
Courtesy the artist and Hauser & Wirth