Eva Fàbregas propone una relación intuitiva y visceral entre las esculturas y dibujos de Eva y una selección de obras de la colección de arte de la Fundación Botín. Los vínculos entre las obras expuestas crean un diálogo complejo, a menudo inesperado, en torno al deseo, lo corporal y lo lúdico, pero también lo amorfo, lo atrevido y lo perturbador. Este entrelazado de obras se ha concebido como un organismo vivo, a gran escala, que se adueña del espacio arquitectónico en un crecimiento incontrolado, generando espacios de experiencias colectivas que se aprecian desde el cuerpo.
En las esculturas de Eva, el aire se convierte en un material tangible que crea volúmenes, formas y escalas capaces de alterar la percepción de nosotros mismos y del espacio en el que nos encontramos. Estos volúmenes biomórficos, enmarañados entre ellos, aluden a procesos y ritmos biológicos relacionados con la digestión, la gestación o la metamorfosis. Así, generan una duplicidad de emociones: de amenaza o cuidados, de inocencia o perversión. Fundamentalmente, nos invitan a relacionarnos con el arte y la experiencia estética de una manera sensorial —cómo se siente su textura, su temperatura, su ritmo— a ejercitar nuestra imaginación hasta que seamos capaces de acostumbrarnos a su presencia.
Esta muestra es el primer capítulo del nuevo programa expositivo Enredos cuyo objetivo es apoyar y colaborar estrechamente con los artistas que han disfrutado de una Beca de Arte de la Fundación Botín y vincularles de nuevo con la colección, el edificio y los públicos. Para esta exposición, Eva ha seleccionado una serie de obras de artistas que, como ella, fueron beneficiarios de las becas de arte de la Fundación: Leonor Antunes, Nora Aurrekoetxea, David Bestué, Cabello/Carceller, Asier Mendizabal y Sara Ramo, así como una serie de fotografías del artista Gabriel Orozco, también incluidas en la colección.
La exposición está acompañada de una publicación, coeditada con Mousse Publishing, que incluye textos encargados específicamente para este proyecto de la autora británica Daisy Lafarge y de la comisaria española Chus Martínez, así como una conversación entre Eva Fàbregas y Bárbara Rodríguez Muñoz, ambas comisarias de la muestra./
Eva Fàbregas proposes an intuitive and visceral interplay between Eva’s sculptures and drawings and a selection of works from Fundación Botín’s art collection. The bonds between the artworks on display establish a complex, often unexpected, dialogue around desire, the corporeal and the playful, but also the amorphous, the daring and the disturbing. This entanglement of artworks has been conceptualised as a large-scale living organism that takes over the architectural space and spreads in an unbridled growth, generating spaces for
collective experiences that are perceived through the body.
In Eva’s sculptures, air becomes a tangible material that creates volumes, shapes and scales capable of changing the perception of ourselves and of the space that surrounds us. These biomorphic volumes, entangled with one another, allude to biological processes and rhythms related to digestion, gestation and metamorphosis. As such, they create a duplicity of emotions: menacing or nurturing, innocent or perverse. In essence, they invite us to relate to art and aesthetic experience in a sensorial manner – how their texture, their temperature
and their rhythm feel – to use our imagination until we are able to grow accustomed to their presence.
This exhibition marks the first chapter in Centro Botín’s new exhibition programme entitled Enredos (entanglements). It seeks to support and work closely with artists who have received a Fundación Botín Art Grant, who are invited to re-engage with the collection, the building and its audiences. Eva has selected a series of works by artists who, like her, were recipients of the foundation’s award: Leonor Antunes, Nora Aurrekoetxea, David Bestué, Cabello/Carceller, Asier Mendizabal and Sara Ramo, as well as a series of photographs by the artist Gabriel Orozco, also included in the collection.
The exhibition is accompanied by a publication, co-published with Mousse Publishing. It includes texts commissioned especially for this project by British author Daisy Lafarge and Spanish curator Chus Martínez, as well as a conversation between Eva Fàbregas and Bárbara Rodríguez Muñoz, both curators of the exhibition.
Gouache acrílico sobre papel / Acrylic gouache on paper
Cortesía de la artista / Courtesy of the artist.
Los dibujos de Eva posibilitan juegos de escalas y colores difíciles de realizar en el espacio físico, el cual cuenta con limitaciones de escala y forma debidas a las leyes de la gravedad, a las
dimensiones del propio cuerpo de la artista o a las propiedades de los materiales de trabajo. Sin embargo, en el espacio en dos dimensiones Eva yuxtapone libremente entornos macro y micro, jugando y creando relaciones entre elementos que suelen existir separados entre ellos. La idea del tacto está presente en estas obras, que despiertan el deseo de tocar a pesar de ser dibujos bidimensionales./
Eva’s drawings create plays on scale and colour that are hard to achieve in physical space due to scale and form constraints imposed by the laws of gravity, the dimensions of the artist’s own body and the properties of the materials she works with.
However, in the two-dimensional realm, Eva freely juxtaposes macro and micro environments side by side, playing with and creating connections between elements that usually exist separately from each other. The idea of the tactile is also palpable in these works, which awaken the urge to touch them even though they are two-dimensional drawings.
Este archivo se presenta como una galería de retratos realizados en diferentes países europeos y ha sido protagonizado por personas que fueron asignadas al género femenino al nacer. Sus participantes personifican actores o personajes masculinos en películas de su elección. Las imágenes resultantes se acercan de manera crítica a las acepciones imperantes de la masculinidad, rastreando las huellas de la influencia cinematográfica en la construcción de nuestras identidades.
Los retratos se acompañan con imágenes de las ciudades donde se encontraban o donde vivían las personas retratadas, así como de una ficha de archivo en la que se detallan los datos de cada elección y donde, quienes quisieron, explicaron sus motivos.
This archive is presented as a gallery of portraits taken in different European countries and features people who were assigned female at birth. The participants represent leading male actors or characters from various films of their choice. The resulting images critically tackle the dominant understandings of masculinity, tracing how cinema has influenced the way our identities are built.
The portraits are accompanied by pictures of the cities where the models were photographed or where they lived, as well as a file card in which the details behind their choice of character are explained and where, those who wanted to, shared their reasons.
Vídeo HD, color, audio 5.1 / HD video, color, audio 5.1 19’26”
Adquirida en 2017 / Acquired in 2017.
Os Ajudantes es el segundo de una trilogía de filmes cortos de la artista Sara Ramo. Está centrada en performances musicales realizadas en Brasil, poniendo el foco en la forma de
experimentar la música en ceremonias rituales. Los músicos de Os Ajudantes llevan disfraces y máscaras, aparecen y desaparecen entre la oscuridad nocturna de un bosque, a distancia de la cámara, lo que confiere a su actuación una cualidad cuasi conspirativa. Cuando la noche llega a su fin y el bosque tropical comienza a despertar, sus curiosos sonidos dan paso a un intenso concierto de cantos de aves./
Os Ajudantes is the second in a trilogy of short films by artist Sara Ramo. It revolves around musical performances in Brazil, focusing on how music is experienced in ritual ceremonies. The costumed and masked musicians in Os Ajudantes emerge from the darkness of a forest at night
and disappear again, at a distance from the camera, giving their performance an almost conspiratorial feel. As the night draws to a close and the rainforest begins to awaken, their peculiar sounds give way to a loud concert of birdsong.
Esta serie de esculturas fue creada por el artista durante su estancia en la Academia de España en Roma y con ellas continúa la investigación desarrollada en el marco de las Becas de Arte de la Fundación Botín en torno a materiales y formas orgánicas. Están creadas con materiales blandos, algunos orgánicos, que se transformarán con el paso del tiempo, como papel maché, pétalos de flores, frutas o cera, estableciendo un claro contraste con el tipo de escultura clásica más “dura” que le rodeaba durante su estancia en Roma.
Cada pieza representa una parte del cuerpo de su pareja – la forma del tobillo o el muslo, la curva de su espalda – en un ejercicio de acercarse a la raíz del deseo. Para el artista, el modelado de los materiales se asemeja a la caricia, a una manera de establecer un vínculo entre lo inerte y lo emocional. Hay algo melancólico en estas piezas al estar realizadas a distancia del cuerpo amado, modeladas mediante el recuerdo, pero reverberando con su presencia./
This series of sculptures was created by the artist during his stay at the Spanish Academy in Rome and continues his research into organic materials and forms developed within the framework of Fundación Botín Art Grants. They are created with soft materials, some of which are organic -and will transform over time - such as papier-mâché, flower petals, fruit or wax, thereby drawing a distinct contrast with the “harder” kind of classical sculpture that surrounded him during his stay in Rome.
Each piece represents a part of his partner’s body – the shape of their ankle or thigh, the curve of their back – in an exercise to approach the root of desire. For the artist, the modelling of the materials is akin to caressing, a way of forging a link between the inert and the emotional. There is a certain melancholy in these pieces as they are made at a distance from the beloved body, shaped by memory, but resonating with its presence
En este espacio conviven una serie de obras de la colección de la Fundación Botín que Eva ha seleccionado desde distintas perspectivas teniendo presente: la manera en que sus obras se dispersan por la arquitectura como una plaga, penetrando, excavando y comiéndose las paredes, como si de una larva se tratara; su forma de trabajar con la sensualidad y atracción por el fetiche, o su fascinación crítica por las prótesis y otros objetos que se relacionan de forma íntima con nuestro cuerpo. Así, encontramos intervenciones que se expanden en el techo y una hendidura en la pared de la sala (Leonor Antunes y Sara Ramo respectivamente); una lectura fetichista de las fotografías de objetos ergonómicos de Asier Mendizabal o de los arneses de cuero de Leonor; o la incorporación de objetos de producción industrial que, sin embargo, nos trasmiten intimidad y cuidado, como los anillos y las trenzas de Nora Aurrekoetxea y la bisutería de Sara./
This space contains a series of works from the collection selected by Eva from different perspectives, such as how her works spread like a plague through the architecture, seeping and burrowing into and eating the walls as if they were maggots; how she approaches sensuality and fetish in her work; or her critical fascination with prostheses and other objects that are intimately related to our bodies.
Therefore, we find artworks that spread out across the ceiling and a crack in the wall of the room (Leonor Antunes and Sara Ramo respectively); a fetishist interpretation of the photographs of ergonomic objects by Asier Mendizabal or of Leonor’s leather harnesses; and the incorporation of industrially produced objects that, nevertheless, convey intimacy and care, such as Nora Aurrekoetxea’s rings and braids and Sara’s costume jewellery.
Cuero y cáñamo / Leather and hemp rope
Adquirida en / Acquired in 2017.
Random Intersections es una serie de obras realizadas con elementos de cuero, cuyo diseño hace referencia expresa a las bridas de las caballerías y se inspira en los collages elaborados por el arquitecto italiano Carlo Molino durante la preparación de su diseño para la Società Ippica Torinese, el célebre edificio, hoy desaparecido, que creó para el club hípico de Turín.
Esa suerte de arneses se ensambla formando una ligera estructura colgante, que se amplía y
conecta con el espacio expositivo mediante una intrincada red de cuerda, dando lugar en él a una especie de presencia fantasmal que contrasta con la arquitectura circundante./
Random Intersections is a series of works created with leather parts, whose design explicitly resembles horse bridles. They are inspired by collages made by Italian architect Carlo Molino as preparatory work for his plans for the Società Ippica Torinese, the famous building that he created for the Turin riding club, which is no longer standing.
These harnesses are assembled to form a light hanging structure, which expands and connects to the exhibition space with an intricate mesh of rope, creating a kind of ghostly presence that contrasts with the surrounding architecture.
5 impresiones digitales sobre papel de algodón / 5 digital prints on cotton paper
Edición / Edition 3/3 + 1 AP
Adquirida en 2016 / Acquired in 2016.
Las cinco fotografías que forman esta obra muestran primeros planos teatralmente escenificados de fórcolas, los característicos escálamos de las góndolas venecianas (pequeñas estacas donde se encaja el remo). Así el artista explora la cualidad escultórica de un objeto cuyo diseño está totalmente basado en su función pero que, extraído de su contexto, se asemeja a una escultura moderna, de superficies pulidas y formas ergonómicas./
The five photographs that comprise this work show theatrically staged close-ups of forcolas – the characteristic oarlocks on Venetian gondolas (small notches on which the oar rests). The artist thus explores the sculptural quality of an object whose design is wholly based on its function but which, taken out of context, resembles a modern sculpture, with polished surfaces and ergonomic shapes.
Bisutería y yeso / Costume jewellery and plaster
Adquirida en 2020 / Acquired in 2020.
En Hendija, Ramo abre, literalmente, una grieta en la pared que atiborra después con una acumulación de joyería barata. Aunque a primera vista pudiera parecer que su intervención busca solucionar un problema en la estructura del espacio expositivo, cabe también pensar en una especie de inquietante adorno que remite a las molduras de escayola u otras formas de decoración propias de las construcciones clásicas. En ese sentido, la obra se vería como una
«herida» o disrupción en la arquitectura de un edificio moderno. /
In Hendija, Ramo literally opens a crack in the wall, which she stuffs with a pile of cheap jewellery. Although at first sight it might seem that her intervention seeks to solve an issue in the exhibition´s space structure, one might also think of it as a kind of unsettling ornamentation that echoes plaster mouldings or other forms of decoration characteristic of classical constructions. In this respect, the work could be seen as a “wound” or disruption in the architecture of a modern building.
3 paneles de pladur, varillas roscadas y corrugadas, anillos de bronce y de plata
/ Plasterboard panels, threaded and corrugated rods, bronze and silver rings
Adquirida en 2020 / Acquired in 2020.
Esta serie de tres paneles compone un tríptico en el que la artista reflexiona sobre la relación entre la arquitectura y la ornamentación. En euskera, «eraztunak» quiere decir «anillo», aludiendo a los moldes de unas monturas de anillos en bronce y plata que la artista ha empleado para adornar unos paneles estándar de pladur que conforman la estructura de su obra. Aunque el proceso de moldeado evoca el de la escultura clásica, la decisión de Aurrekoetxea de exponer solo las monturas las acerca al estatus del pladur: ambos son estructurales, pero invisibles o revestidos de un protagonismo menor. /
This series of three panels is a triptych in which the artist reflects on the relationship between architecture and ornamentation. In Basque, “eraztunak” means “ring”, alluding to the moulds of ring mounts made of bronze and silver that the artist used to adorn the standard plasterboard panels that make up the structure of her work. Although the moulding process is reminiscent of classical sculpture, Aurrekoetxea’s decision to exhibit just the mounts brings them closer to the status of plasterboard: both are structural, but invisible or given less prominence.
Impresión cromogénica en color / Chromogenic colour prints
Adquiridas en 2012 / Acquired in 2012.
Gabriel Orozco es conocido por sus re-contextualizaciones de objetos cotidianos. Valiéndose de la fotografía, el artista produce imágenes que muestran detalles de lo cotidiano que bien podrían pasarnos desapercibidos, siempre con un giro poético. En ellas, un pequeño escarabajo negro medio sumergido en una textura aceitosa y una hoja de parra que se marchita abrazando un trozo de metal nos animan a observar una dimensión sobrenatural de nuestra experiencia diaria./
Gabriel Orozco is known for his re-contextualisations of everyday objects. Using photography, the artist produces images that show everyday details that might go unnoticed, yet always with a poetic twist. In them, a small black beetle half submerged in an oily substance and a withering vine leaf embracing a piece of metal encourage us to see a supernatural side to our everyday experience.
Concebida para esta sala expositiva, Oozing (rezumamiento) es una acumulación de esculturas hinchables, de una escala inmensurable, ante la cual nos volvemos minúsculos. Parece que estemos siendo testigos de un incontrolable crecimiento orgánico, un enredo simbiótico entre obras-cuerpos, formas, materiales y colores que provienen de mundos que aún no conocemos, que nos pueden llevar a paisajes fantásticos y de ciencia ficción, que recuerdan a los órganos internos, si pudiéramos encogernos muchísimo y adentrarnos en nuestro cuerpo. La escultura además, parece estar viva. Podemos abrazarla, sincronizar nuestra respiración con la suya, sentir su piel como extensión de la nuestra, en un ejercicio de comunión tan bello como extraño.
“¿Qué significa respirar para estos cuerpos? ¿Qué pulso tienen? ¿En qué temporalidad viven? ¿Tienen sus vidas alguna semejanza con el modo de estar y vivir de los humanos? ¿Cómo nos podemos comunicar con ellos? ¿Quizá son la respiración, la vibración y el tacto, el lenguaje que nos permite relacionarnos y comunicarnos? ¿Cómo afectamos a estos seres al comunicarnos con ellos? ¿Puede este nuevo encuentro transformarnos mutuamente?” (Eva Fàbregas)
Producida por la Fundación Botín con la colaboración del MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona/
Conceived for this exhibition space, Oozing is an assemblage of large-scale inflatable sculptures, in the presence of which we become minute. We seem to be witnessing an unbridled organic growth, a symbiotic entanglement between worksbodies, forms, materials and colours that hail from worlds we do not yet know, which can take us to make-believe, science fiction landscapes, reminiscent of internal organs - if we could shrink ourselves down to a size where we could crawl inside them. The sculpture seems to be alive. We can embrace it, synchronise our breathing with its breathing, and feel its skin as an extension of our own, in an act of communion as beautiful as it is strange:
“What does breathing mean to these bodies? What kind of pulse do they have? What temporality do they live in? What temporality do they live in? Do their lives bear any resemblance to human ways of being and living? How can we communicate with them? Could breathing, vibration and touch be the language that allows us to interact and communicate?
How do we affect these beings when we communicate with them? Might this new encounter be mutually transformative?” (Eva Fàbregas)
Produced by Fundación Botín in collaboration with the MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona.
látex, malla elástica, resina y fieltro / Latex, elastic mesh, resin and felt
Cortesía de la artista / Courtesy of the artist.
Lepokoa - big neck, 2020: Bronce y varillas roscadas / Bronze and corrugated rods
Cortesía de la artista y / Courtesy of the artist and Galería Juan Silió
Trenza, 2019: Bronce / Bronze
Colección particular / Private Collection.